Импрессионистический метод был доведен до своего логического завершения в творчестве таких художников, как Жорж Сёра (1859-1891) и Поля Синьяка (1863-1935). Неоимпрессионисты разбили цветовые поверхности на отдельные точки. Они утверждали, что смешение цветов уничтожает их силу. Точки чистого цвета смешиваются только в глазах зрителя. В качестве научного обоснования этого разложения цветов они использовали «Науку о цвете» Шеврейля, стремились создать собственную научную теорию цвета. Они составляли диаграммы, старались писать отдельными короткими мазками спектральных цветов, достаточно яркими и чистыми. Отсюда и дригие названия этого этапа импрессионизма – дивизионим (division – разделение) или пуантеризм (point - точка).
На последней выставке импрессионистов в 1886 г. была выставлена картина Сера «Гуляние на острове Гран-Жатт». В следующем году Сёра и Синьяк устроили самостоятельную выставку в Брюсселе и были жестоко осмеяны

История импрессионизма на этом не кончается. Из Франции ипрессионизм распространился по всей Европе. В Англии в этом стиле работали Джеймс Уистлер, Саржент, в Германии – Макс Либерман, в Швеции – Андерсон Цорн, в Бельгии – Тео ван Риссельберг.

В пластике второй половины XIXв. не наблюдается такого яркого развития импрессионистического направления, как в живописи. Наиболее близок к импрессионистам в некоторых работах Огюст Роден (1840-1917). Стремление передать мгновение в выражении человеческого лица или позе выявлено в его произведениях. В 1878 г. Роден впервые экспонировал в Брюсселе, а затем в париже скульптуру «Бронзовый век». К реалистически монументальной скульптуре относятся его работы «Мыслитель», «Ева», «Адам», «Блудный сын», «Граждане Кале». В последней из них разные люди объединены единством судьбы и духовного подъема. Автор обладает удивительным умением выразить напряженные внутренние усилия, подчинить форму определенному психологическому переживанию.

Уже в начале XIX века сущность цвета вызывала всеобщий интерес. Рунге опубликовал свою теорию цвета в 1810 году, используя цветовой шар в качестве координатной системы. Главный труд Гете по цвету был обнародован также в 1810 году, а в 1816 году Шопенгауэр опубликовал свой трактат «О видении и цветах». Директор парижской фабрики «Гобелен» химик М.Э.Шеврейль (1789-1889) опубликовал в 1839 году свой труд «О законе симультанного контраста цветов и о выборе окрашенных предметов». Этот труд послужил научным основанием импрессионистической и неоимпрессионистической живописи. Изучение солнечного света, изменяющего локальные тона предметов, обогатило художников–импрессионистов новыми знаниями.
История импрессионизма охватывает период всего в 12 лет с первой выставки в 1874 г. по последнюю - в 1886 г. Предистория берет начало в борьбе романтиков с академистами, в антагонизме Энгра и Делакруа, в исканиях барбизонцев, в реалистических полотнах Курбе и в графике Домье.
В 1863 г. художники, не принятые официальным жюри на очередную выставку, устроили свой «Салон отверженных», на котором и был представлен ставший знаменитым «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. Менее всего желавший стать ниспровергателем официального искусства, следующий классическим традициям, Мане был встречен глубоко враждебно официальными академическими кругами. Громкими скандалами сопровождалось появление «Завтрака на траве», в котором Мане изображает в непривычной живописной манере одетых молодых людей и обнаженных женщин. Обращаясь к композиции «Сельского концерта» Джорджоне, он интересуется прежде всего проблемой солнечного света, световоздушной среды, в которой представлены как фигуры, так и предметы. Еще большее негодование вызвала «Олимпия», представленная в Салоне 1865 г. На нее изображена обнаженная женщина на желтоватой шали и голубоватых простынях, которой темная служанка приносит цветы. Это не идеальный образ красоты, а современный портрет, холодно передающий сходство «без поэтических затей».

Возрождение, как и нидерландское, черпает вдохновение из поздней готики, но во Франции ситуация была осложнена Столетней войной с Англией, поэтому фактически Ренессанс туда пришёл только в середину 15 века. На это же время пришлись процессы формирования новой государственности и становления сильной королевской власти. По этим причинам Ренессанс во Фр. не принял такого масштаба, как в Италии, напр., где это искусство проникло во все социальные слои; во Фр. «новое искусство» развивалось только про дворе и среди аристократии, а все остальные продолжали жить в устойчиво готических настроениях – готика во Фр. успела развиться очень хорошо. Франция не могла ни повторить путь Италии (черпавшей из мощной античной традиции), ни пойти по пути Нидерландов и т.п. (где античной традиции не было вовсе). Срединное положение: с одной стороны, Галлия была обширнейшей римской территорией, с другой стороны, зависимость от готики и другие обозначенные выше причины не давали развиться ни «традиционному» («античному»), ни «своеобразному» («северному») Ренессансу.
С 1488 г. Франция начинает серию войн с Италией, это попытка установить господство на территории Сев. Италии (где были города-государства). Эти «волны» вон тоже отразились на искусстве. Италия на франц. королей была не просто наживой, но источником духовного обогащения, т.к. сами короли уже были ренессансно образованными людьми, людьми нового века. См. портрет Франциска 1-ого: он во время своих походов нашёл возможность встретиться с уже немолодом да Винчи, который потом жил и умер при его дворе. В рамках придворной культуры знакомство с гуманизмом было очень широко; Маргарита Наваррская была сестрой Франциска.
Несколько линий во франц. возрождении, которые имеет смысл рассматривать отдельно:
1) портреты (важнейшая из линий) – и среди них отдельной строкой карандашные портреты;
2) архитектурная линия (то, что было в Италии и чего не было в Нидерландах) – строительство дворцов и замков

16 век –с одной стороны, под знаком поздне-ренессансных традиций, с другой стороны – без постепенных переходов, с наслоением этапов один на другой. Гуманизм в Исп. сформировался, но его ценностью оказались не великие антич. корни, а наприяжение, духовное и экстатическое, всех внутренних сил человека. Дело в том, что Исп. на протяжении нес-х веков вела войну с маврами и арабами под знаком католизцизма и христ. ценностей вообще – поэтому исп. гуманизм имеет эту необычную основу.
Изобразительное иск-во в Исп. прошло нес-ко маргинальный путь: тенденции связаны во многом со средневековым, и когда на них начали наслаиваться традиции Ренессанса, но появился синтез, а классическое, т.н. высокое Возрождение Исп. пропустила. Появляется маньеризм. Очень крупных художников в 16 веке мы здесь не увидим.
Филипп II Испанский – просвещённый человек, яркий, энергичный человек, дал иск-ву возможность развиваться.
Эль Греко (Доминико Теотокопули или Теотокоппулос, 1541-1614) – современник Сервантеса, как и С., обозначил трагический смысл позднего Ренессанса
По происхождению не испанец, а грек, р. на острове Крит (исп. владение), в католич. семье (католики там были редкостью), получил первоначальное художественное образование. В то время худ. жизнь этих краёв была связана с возрождением поздне-византийских традиций, хотя сама Византия уже не существовала. Не сохранилось объяснений, почему Э.Г., будучи молодым человеком, вдруг уезжает в Италию – в Венеции ещё идёт позднее Возождение, там ещё жив Тициан и др., и в мастерской Тициана он живёт и учится. Поэтому итальянский период Э.Г. очень важен – это влияние великих тенденций. Э.Г. был достаточно амбициозен – позже покидает Венецию, переезжает в Рим. Одним из его кумиров был Микеланджело - его стиль впоследствии сможет сочетать колоризм Тициана и гармоничная экспрессия Микеланджело, они стали его точкой отсчёта в поисках своей маньеристической манеры.

Ян Вермеер 1632-1675
Общие черты: чаще всего окно слева, оно приоткрыто или из него льётся свет, на стене картина или карта. Если карта - то чаще Голландии как независимой страны (проявление патриотизма).
Великий мастер работы с красками, светом, великий колорист.
«Женщина, взвешивающая жемчуг» - на первый взгляд мрачная, но очень тонкая картина, для разговора о глубинных смыслах: простое занятие (жемчуг, весы) в центре внимания, оно – повод для потаённых мыслей; весы в состоянии идеального равновесия - символ гармонии; девушка погружена в себя, глаза прикрыты. На картине за её спиной – сцена Страшного суда, где Христос тоже взвешивает грехи человеческие. Идеально структурированное пространство, тонкие линии, светотень.

Развитие архитектуры первой половины XIX в. характеризовалось постепенным отходом от классицизма в сторону ретроспективизма и эклектизма. С начала XIXв. значительно более активно, чем раньше использовались металлы – чугун, кованое железо. Во второй половине XIX в. стала применяться сталь, позже – железобетон. В течении длительного времени эти материалы рассматривались как вспомогательные, скрывались под каменными оболочками, под облицовкой или же приобретали старые, архаичные, не свойственные им декоративные формы.
В архитектуре XIX в. можно обнаружить два варианта подражания стилям. Первый заключается в более или менее удачном воспроизведении снаружи и внутри здания композиционно-декоративных форм какого-либо одного стиля. Этот подход называют ретроспективизмом (1830-1860) или историзмом. Второй вариант сводится к употреблению в декоративном убранстве одного здания мотивов различных стилей, иногда смешиваемых друг с другом. Этот конгломерат стилей обычно называется эклектикой (1860-1900).
Видную роль в разработке принципиальных положений архитектуры того времени, в расширении представлений о средневековом искусстве играла деятельность архитектора и археолога Виолле ле Дюка (1841-1879). В 1840-1860-х гг. архитектор Чарльз Берри совместно с Огастесом Пьюджином построил в Лондоне на берегу Темзы здание Парламента в стиле английской готики. В 1884-1894-х гг. архитектором Паулем Валло был спроектирован и построен рейхстаг в Берлине. Декор выполнен в смешанных формах западноевропейской архитектуры XVI-XVII вв. В 1861-1875-х гг. архитектор Шарль Гарнье строит в Париже здание Большой оперы (Гранд Опера). Декор фасада формам зрелого барокко.

Архитектура Франции времен Наполеона (начало XIX в.) соотносится со стилем империи – ампиром. Архитектура должна прославлять и возвеличивать политику Наполеона, поэтому происходит обращение к аналогам архитектуры древнеримской империи. Большинство сооружений в это время – триумфальные памятники (Арка Звезды на Елисейских полях, архитектор Ж.-Ф. Шальгрен; Вандомская колонна как подражание колонне Траяна в Риме, архитекторы Ж. Лепер и Ж. Жандэн). Другими ведущими архитекторами ампира были Шарль Персье и Пьер Фонтен.
Стиль классицизма в интерьерах во многом схож с рококо. В оформлении небольших помещений используется панно, зеркала, мелкий масштаб декора.
В орнаменте отмечен стиль Директории – переходный от стиля классицизма к ампиру. В стиле Людовика XVI (классицизм) используются два основных мотива:
• Античный (мелкий акант, мифологические образы, факелы, колчаны, луки, шлемы, мечи, щиты, копья);
• Деревенский или пасторальный (букеты или гирлянды цветов, снопы, ленты, музыкальные инструменты – гитара или свирель, животные – бараны, козы, их головы или лапы).
Следует отметить преимущественное использование военной атрибутики римского происхождения (доспехи, щиты, мечи). Декор перегружен арабесками, пальметтами, фантастическими мотивами из этрусского искусства. Стиль ампир вносит мотивы из помпейских росписей и отчасти египетского искусства. Элементы пасторальности исчезают. Этот стиль связан с триумфальными, героическими мотивами (гирлянды и венки, императорские орлы, военные римские доспехи, геометрический античный орнамент – меандр, фигуры в античных одеждах, вазы, пальметты, лира, рог изобилия). Из Египта заимствованы сфинксы, лилии, обелиски. В стилях классицизма и ампира используется ограниченная черно-белая палитра, которая умеренно оживлена хроматическими цветами. В ампире используется пурпур, малиновый, желтый, зеленый, синий цвета. В мебели отдается предпочтение красному дереву с бронзовыми позолоченными деталями.

!830-1860-е гг. – время формирования во Франции реалистической пейзажной школы. Она опирается на опыт пейзажистов XVII в. творчество англичанина Констебля, французов Т. Руссо, Дюпре и других. Художники часто работали в окрестностях Барбизона – небольшой деревушки рядом с Парижем. Потому художников и стали называть барбизонцами. Один их них, Шарль Франсуа Добиньи, светлые краски наносил тонким слоем, чаще писал не леса, а открытые пространства – поля, берега реки Уазы. Барбизонцы работали на пленере, выполняя этюды и рисунки болот и озер, лесов и полей. В мастерской они писали картины, обобщая впечатления от натуры.
Особняком от барбизонцев стоит Камиль Коро (1796-1878). Он пишет в разных районах Франции. Сюжеты его картин – природа в тихие часы заката и восхода солнца, когда очертания предметов зыбки, а над гладью реки и озер стоит туман. Краски мягко, постепенно переходят одна в другую, образуя серебристо-серую тональность. Несколько всплесков голубовато-синих и красно-коричневых тонов оживляют эту гамму. Коро вводит в пейзаж архитектуру в виде развалин памятников средневековой Франции. Камиль Коро чувствителен к изменениям цветовых эффектов, отражениям в воде, плавным движениям воздуха. Его картины помогут импрессионистам, в частности Сислею и Моне, найти себя.

XVIII в называют веком Просвещения, Галантным веком. Развитие европейского искусства XVIII в. сложно и неравномерно. В лишенной национального единства Италии наивысшие достижения связаны с венецианской школой. Во Франции прослеживается эволюция от рококо (с 1720 г.) к искусству программно-гражданского характера. В искусстве, и особенно в литературе Англии уже зарождаются характерные черты реализма развитого буржуазного общества. Молодой Гойя в Испании всем своим творчеством подготовил романтизм нового столетия. В искусстве XVIII в. проявляется в собственном смысле частное явление, единичный человек, обособленный угол природы, но, как правило, они выступают в соединении с миром фантазии, в театральной игре, на сценических подмостках. Лишь XIX в. осмелился вывести частное, единичное, обособленное как значительное само по себе, не нуждающееся в контурах.
Мощную пространственную динамику, пластическую игру форм барокко сменяет стиль, который как бы переводит криволинейное построение барокко в новый регистр. Оставляя без внимания фасады, рококо разыгрывает на стенах и потолках интерьеров орнаментальные симфонии, сплетает кружевные узоры, достигая в этом виртуозности, изящества, блеска, но полностью утрачивая барочную монументальность, основательность и силу. Рококо – первый безордерный стиль. Рококо не имеет своей позитивной философии и сфера его действия ограничена. Наибольшее развитие стиль достиг в области прикладного искусства. В других сферах он проявляется сильнее всего там, где художнику приходится решать прежде всего декоративно-оформительские задачи: в архитектуре – не в конструкции здания, а в планировке и оформлении интерьера; в живописи – не в станковой картине, а в декоративных панно и росписях.

Во французской архитектуре этого времени наблюдается постепенное формирование классического направления. В живописи - влияние маньеризма, фламандского и итальянского барокко, караваджизма и реалистического искусства Голландии. К этому периоду относится деятельность трех братьев Ленен. Самым выдающимся был Луи Ленен. Они писали сцены из жизни крестьян. В картине «Семейство молочницы» в спокойных фигурах есть нечто человечески священное, нет суетливости жанровой сцены. Творчество Жоржа де Латура называют «живописью реального мира».
В 1648 г. была основана Королевская академия живописи и скульптуры. С 60-х гг. Академия полность подчинена двору. В 1671 г. образовалась Академия Архитектуры. Многие художники подолгу жили в Италии. Пуссен провел в Риме почти всю жизнь.
Классицизм – новое возрождение античности. Его основа – стремление к рациональному, к разумному, к порядку. Классицизм XVIIв. отличался возвышенной мечтательностью и несколько холодноватой отвлеченностью. Классицизм культивировал чувство долга. Свет и тень на картинах в прямом и переносном смысле четко разделены. Мужественный герой мужественен везде, а скупой скупится. Переходы ит оттенки у классицизма не в чести.
Классическое направление в живописи связано с именем Николы Пуссена. Ему свойствены четкий линейный ритм, статичность. Пуссен не изображал свою современность. Он пишет мифологические сюжеты как величественное видение исчезнувшего золотого века. Пуссен – строгий мечтатель. Пейзажи Пуссена – героическая конструкция, обладающая всемирным размахом. Раннее сложение классицизма, стремление к разумности, логичности, порядку и теоретическому формулированию идеала, ощущение неповторимости каждого человека отражено в искусстве Франции. Пуссен уподоблял типы построения картины античным музыкальным ладам. Видна логика, ясность, равновесие в построении композиции, в расстановке фигур, в распределении масс, в движениях – благородная грация.
Классически идеализированный пейзаж создает Клод Лорен. Вторая половина XVII в. связана с длительным правлением короля Людовика XIV – короля-солнце.