Эксперссионизм в архитектуре представляет собой ветвь общего экспрессионистического направления в искусстве, объединившего литературу (Ф. Кафка), музыку (А. Скрябин), киноискусство (Р. Вине), живопись (В. Кандинский, П. Клее). В архитектуре первые яркие проявления экспрессионизма относятся к 1919-1922 гг. Затем экспрессионистические произведения появляются с различной периодичностью в 1950-е и в 1970-е гг. (подние работы Ле Корбюзье, Э. Сааринена, Й. Утсона, О. Нимеера, Г. Шаруна).
Экспрессионизм в архитектуре характерен подчеркнутой эмоциональной выразительностью композиции, часто достигаемой путем заостренности, гротескности, нарочитой деформации или обобщенности привычных форм. Эталоном экспрессионизма 1920-х гг. стало здание астрофизической лаболатории «Башня Энштейна» в Потсдаме (1921), запроектированное Э. Мендельсоном как свободное здание-скульптура в монолитном железобетоне с пластичными, обтекаемыми формани, почти исключающими ортогональные сопряжения.
В 1950-е гг. с приставкой «нео» экспрессионизм вновь выходит на сцену мировой архитектуры. Самым известным произведением неоэкспрессионизма становится капелла в Роншане (Франция), построенная по проекту Ле Корбюзье в 1950-1955 гг. Ее композиция навеяна образами первых молитвенных домов христианства.
Г. Шарун, осуществляя свои работы в Германии (оперный театр в Берлине), нашел эксперссионистический ход даже к решению такой нормативно детерминированной архитектурной формы, как многоквартирный жилой дом. В своем жилом комплексе в Штутгарте «Ромео и Джульетта» (1956-1960) он создал нетривиальную объемную форму зданий. Здание «Джульетта» имеет план подковообразной формы и каскадно меняющуюся высоту (5, 8 12 этажей), а односекционное 20-этажное здание «Ромео» – план сложной многоугольной формы. Дополнительные неожиданные членения объемам даний придают балконы и лоджии разных косоугольных форм. Г. Шарун создал в скромных по размерам квартирах интересные индивидуальные внутренние пространства, стимулирующие жильцов к творчеству при компоновке интерьеров.
Неоэкспрессионизм, опираясь в известной мере на достижения функционализма, внес в него очеловечивающее эмоциональное и индивидуальное начало, умело используя возможности современных конструкций и материалов.

CIAM –Международные конгрессы современных архитекторов – обсуждают проблемы современной архитектуры. I конгресс состоялся в 1928 г. в Ла Сарру.
Особенно ярко функционализма проявились в советской архитектуре 1920-30-х гг. Проблема формирования новой арохитектуры для нового общества в 1920-е гг. особенно привлекала архитекторов молодого и среднего поколения, объединившихся в несколько творческих ассоциаций. Установки этих ассоциаций имели различия, но ориентация на полный отказ от традиционного языка архитектурных форм была общей.
Возникшая в 1923 г. во главе с Н. Ладовским и В. Кринским, Ассоциация новых архитекторов (АСНОВА), называвших себя рационалистами, преследовала в основном эстетическую цель – разработку принципиально нового синтаксиса архитектурной формы, основанного на психофизиологических законах восприятия главных составляющих элементов архитектурной композиции – объема, плоскости, ритма и т. д. В 1925 г. к АСНОВА примкнул К. Мельников – автор первых шести клубов Москвы.
В 1925 г. возникло Объединение современных архитекторов (ОСА), которое возглавили А. И В. Веснины и М, Гинсбург. ОСА также ставило своей целью формирование типов зданий, отвечающих современным социальным условиям. Однако подход ОСА к проектированию был более прагматичным. В компоновке здания они считали основополагающими функциональную и конструктивнуюорганизацию пространства как источник ее гармонизации. Этот подход мастера ОСА формулировали как «функцию сконструированногой материальной оболочки и скрытого за ней пространства». Это направление получило в СССР наименование конструктивизма.

Сюрреализм (фр. Cur – над). Французский поэт Анре Бретон (1896-1966, «папа сюрреализма» в союзе с Хансом Арпом (1887-1966) и Максом Эрнстом (1891-1976), поэтами П. Элюаром и Б. Пере в 1924 г. издает «Первый манифест сюрреализма». Второй манифест выходит в 1929 г., а третий – в середине 1930-х гг. Бретон определил сюрреалистическое творчество как форму свободного выражения человеческогодуха при отсутствии всяких нравственных и эстетических ограничений. «Сюрреализм – это чистый психический автоматизм… Сюрреализм основывается на вере в высшую реальность определенных форм ассоциаций, до сих пор не принимаемых во внимание, во всесилье сновидений, в незаинтерисованную игру мышления. Он стремиться окончательно уничтожить все другие психические механизмы и заменить их собой в решении основных проблем жизни». Видным представителем ранней поры сюрреализма был Макс Эрнст. Он изображал полустертые в памяти образы юношеских снов. В годы , предшествующие Второй мировой войне, наряду с Максом Эрнстом, Ивом Танги (1900-1955), Хоаном Миро (1893-1995), появляются новые сюрреалисты: испанец Сальвадор Дали, бельгийцы Рене Магритт (1898-1967) и Поль Дельво, австриец Вольфанг Паален (1907-1959), швейцарец Курт Зелигман (1900-1961). Сюрреалисты – Макс Эрнст, Сальвадор Дали и другие – пользовались цветом как средством выражения «нереальных образов». Интуиция, считали они, - единственное средство познания Истины. Некоторые сюрреалисты считали своими предшественниками испанского архитектора Антонио Гауди и Марка Шагала. В сюрреализме иррациональный мир написан с подчеркнутой объемностью. Натуралистические детали передаются с фотографической точностью. Здесь присутствует сочетание реальных и абстрактных форм, тяжелое повисает, мягкое костенеет, твердое растекается.
Сальвадор Дали (1904-1989) родился в маленьком испанском городке. Испания – страна высочайших культурных традиций, где любят и почитают художников. Во многих городах, не говоря уже о Мадриде, можно свтретить памятники Веласкесу, Сурбарану, Рибере, Эль Греко, Гойе. Дали обладал литературным даром. Он пишет «Дневник одного гения», «Тайная жизнь Сальвадора Дали, написанная им самим», «История пука», сценарии фильмов, статьи, манифест «Декларация независимости воображения и прав человека на его собственное безумие». Дали внешне напоминал Дон Кихота. Он любил свою жену, руссую по происхождению, Галу. Рафаэль, Леонардо до Винчи, Вермеер Дельфтский, Жан Франсуа Милле – художники, к творчеству которых он постоянно обращался. Расчитывая композиции произведений, Дали занимался математикой и оптикой. В 1974 г. он открыл собственный музей в городе Фигеросе. Одна из его картин названа «Остатки автомобиля, дающие рождение слепой лошади, убивающей телефон» (1932).

Искусство XIX в. В 1776 г. была провозглашена независимость США. 1775-1830 гг. – время развития «самодеятельного» непрофессионального искусства. Это своеобразная черта становления американского искусства. В Европе господствует профессиональное искусство в этот же период. Период расцвета (1775-1830 гг.) сменился полосой упадка, связанного с войной Севера и Юга. В 1830-1860 гг. искусство подчинено салонной фальши и сравнивается с европейским искусством викторианского стиля (по имени английской императрицы Виктории). 1865-1900 гг. – период второго расцвета искусства США. Он связан с именами живописцев Томаса Икинса, Уинслоу Хомера, Джеймса Мак-Нейла Уистлера, скульптора Огастесона Сент Годенса.
В Новом Свете работали пейзажисты-романтики. По мере освоения пространств меняется отношение американцев к природе. В 1820-х гг. художники воспевают природную чистоту, возвысив леса и горы до символа США. Картина Джорджа Калеба Бингейма (1811-1879) «Охотники, спускающиеся по Миссури» , представляющая собой пейзаж и одновременно жанровую сцену, передает ощущение бескрайнего простора и царящей над ним тишины. Два охотника тихо скользят в своем выдолбленном каноэ вниз по течению в туманной солнечной дымке и чувствуют себя как дома.
В 1877 г. к импрессионистам присоединилась американская художница Мэри Кэссет (1845-1926), получившая традиционную академическую подготовку в родной Филадельфии. Кэссет смогла заниматься творчеством благодаря своей финансовой независимости (как и Берта Моризо). Кэссет занималась с Дега, изучала японские гравюры и выработала свой неповторимый стиль. Большинство ее работ посвящено теме материнства. «Купание дочери» – одна из лучших работ художницы.

Стиль Модерн (Югейдштиль, Сецессион, Ар-нуво, Либерти).
Стиль модерн развивался в период с 1890 по 1900 гг. В разных странах он получил различные названия:
• Стиль модерн – в России;
• Ар-Нуво – в Бельгии и Франции;
• Сецессион – в Австро-Венгрии;
• Югендштиль – в Германии;
• Стиль Либерти - в Италии;
• Модерн стаил – в Великобритании;
• Стиль Тиффани – в США.
Стиль модерн поставил задачу создания нового, большого стиля. Наиболее ярко он проявился в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве. Художник мыслился здесь демиургом, творцом, который словно с мягкой глиной обращается с камнем, деревом, металлом, соединяя духовное и вещественное начало. Отсюда проистекает столь частое соединение символической идеи и декоративного мотива. В зодчестве распространяются пластические, текучие, словно бы самообразующиеся формы. В декоративном творчестве используется стелющийся по поверхности, разрастающийся, обволакивающий предмет растительный орнамент. В изобразительном искусстве плоские пятна цвета сочетаются с гибкой линией. Они не выделяют объемы, а сливают их с плоскостью, образуя особый мир, где пространство не обладает глубиной, фигуры и предметы – массой, а декоративно-узорчатое начало определяет построение композиции.

Символизм. (Франция и Бельгия 1870-1900 гг.).
Стилю модерн предшествовал символизм, некоторое время эти явления развивались параллельно. Иногда трудно определить, к какому направлению принадлежат работы мастеров того времени. Творчество Климта, Ходлера, позднего Редона, некоторые работы Дени можно отнести и к искусству модерна, и к символизму. Если обозначать разницу между символизмом и модерном, то можно сказать, что это переход от станковой живописи, выражающей мироощущение художника, к воплощению определенного стиля.
Символизм проявился главным образом в станковой живописи, он не обладал стилевой определенностью и по времени предшествовал модерну. Модерн как стиль сложился в архитектуре и прикладных искусствах и лишь отчасти повлиял на живопись, прежде всего декоративную.
Символизм в поэзии – это интеллектуальная фаза размышления над излиянием бесконечной чувствительности (декадансом).
Франция – родина символизма. Но в это время складывается единое литературно-художественное целое стран Франции и Бельгии. Теоретическим основоположником символизма был Шарль Бодлер, изложивший свой взгляд в труде «Эстетические достопримечательности. Он говорит, что мир – продукт Божественного воображения и метафизическое мышление поэта, художника постигает его целостность, переводит иерографическую тайнопись природы на внятный человеку язык. Предметные формы – лишь словарь, текст на его основе надлежит построить. Воображение – «королева способностей».

Венгрия. В первой половине XIX в. в изобразительном искусстве развивается романтизм и классицизм. В батальном жанре работает В. Мадарас, в бытовом жанре – Мункачи («Мужчина в плаще»), интересны пейзажи К. Марко Старшего («Альвефельдский пейзаж»). Во второй половине XIX в. развивается крестьянский жанр и пейзаж (Л. Паал «В лесу», «Облака»).
В архитектуре преобладает классическое направление. Одна из самых знаменитых построек этого времени – здание Национального музея в Будапеште, архитектор Михай Поллак.
Чехия. В первой половине и середине XIX в. работают два крупных художника – Иозеф Навратил и Иозеф Манес. И. Навратил занимался декоративно-орнаментальной росписью, в то же время писал реалистические натюрморты («Разрезанные апельсины»).И. Манес – живописец, поэт, музыкант. Он романтик с реалистическим языком воплощения. В его творчестве преобладает крестьянская тема и портрет («Июль. Покос»).
Во второй половине XIX в. исторический жанр развивается в творчестве Чермака («Гуситы, обороняющие перевал»), в бытовом жанре и как пейзажист работает Пуркине.
Польша. В середине XIX в. урывками работает Михайловский, который являлся обновременно видным общественным деятелем. На его картинах изображены кони, всадники, битвы. Позднее он перешел к пейзажам и крестьянской тематике («Конная ярмарка», «Сенько»). Матейко – мастер исторической живописи, романтик(«Станчик на балу у королевы Боны в Ва веле»). 1870-1880-е гг. – высшая точка развития реализма. В этом стиле работает А. Герымский («Повстанческий патруль», На песочном карьере на Висле»).
Югославия. В Сербии работают известные портретисты К. Данил и Авралиович.
Румыния. У Николае Григориеску природа и человек-труженик – главные темы его творчества (Крестьянка из Мисчела», «Возвращение с работы»).
Болгария. Здесь преобладает реализм (творчество И Ангелова «Жницы», и Я. Вешина «Гайдуки).

В середине XIX в. Брюссель становится центром современного искусства. В 1868 г. в Брюсселе основано Свободное общество изящных искусств (Шарль де Гру, Константен Менье и Ропс). Для формирования вкуса у публики много сделали Октав Маус (1856-1919) и Эдмон Пикар (1836-1924). Они были известными юристами, находились в центре общественной жизни страны, в свободное время – писали, занимались музыкой и живописью. В 1881 г. Маус, Пикар и другие основали еженедельный журнал «Современное искусство».
Творчество Менье (1831-1905) подытожило развитие бельгийского реалистического искусства XIX в. Мастер работает как скульптор («Грузчик») и как живописец («Возвращение из шахты»). В картинах 1870-х гг. выражена сила трудового народа. Колорит строг и сдержан. С 1880-х гг. появляются статуи и барельефы. Позы полны пластической красоты и силы. Менье создает не столько портрет, сколько обобщенный тип.
В архитектуре вплоть до конца XIX в не создано ничего значительного. Начало века соотносится с классицизмом, середина – с эклектикой. В 1893 г. Виктор Орта сооружает Дом на улице де Турин, который стоял в окружении рядовой застройки Брюсселя. Гостиная в доме располагалась на пол-этажа выше остальных помещений. Световые шахты служили новым источником освещения. Это один из первых примеров модерна. Эркер – стандартная деталь каждого дома в Брюсселе, сохранен, но Орта обращает его в криволинейную поверхность с глубокими остекленными проемами. Новаторство Орта в том, что элементы, которые, начиная с 50-х гг. встречались в зданиях контор, торговых помещениях и в промышленных сооружениях он использует в жилых домах. Здесь присутствует попытка решения «свободного плана» (термин введен позднее Ле Корбюзье). Орта (1861-1947) сделал замечательную карьеру. В 1913 г. он стал президентом Академии в Брюсселе, построил много значительных сооружений. Поль Анкар работает в этом же направлении. В 1898 г. Хендрик Петрус Белгаре (1856-1934) построил в Амстердаме здание Фондовой биржи, кирпичное и не оштукатуренное ни снаружи, ни внутри. Белгаре добивался искренности и простоты в архитектуре, он познакомил Европу с творчеством Франка Ллойда Райта.

В первой половине XIXв. в архитектуре наблюдается развитие ретроспективизма (Драматический театр в Берлине, архитектор Фридрих Шинкель – любимый архитектор Гитлера). Архитектор Шинкель (1781-1841) начинал свою деятельность как художник-пейзажист романтического плана. После 1815 г. работает как архитектор классического направления (здание новой караульни, Старый музей). Позднее отказывается от классических тенденций и стилизаций под готику. Здание Строительной Академии -–постройка нового плана.
Следуя принципам классицизма, в Мюнхине работает архитектор Кленце (1784-1884). Он занимается реконструкцией Мюнхена. Во второй половине XIX в. В архитектуре Германии преобладает эклектизм.
В живописи Германии достаточно развито романтическое течение. Отто Рунге пишет картины «Мы втроем», «Автопортрет», «Четыре времени суток». Нашел официальное признание художник-романтик Корнелиус. Каспар Фридрих (1774-1840) – самый известный романтик. Он создает картины природы южной Германии и морского побережья. Маленькая фигура человека в его полотнах придает чувство грусти («Двое созерцающие луну», «Возрасты»). Ему свойственно стремление передать бесконечное одиночество. В Картине «Гибель «Надежды во льдах» нагромождения ледяных глыб – памятник, воздвигнутый самой природой. Карл Раттман работает в стиле классического пейзажа.
Во второй половине XIX в. в живописи распространяется реализм с романтическими настроениями, получивший название «искуссво Бидермейера». Оно утверждало мир обывателя с узким кругом недалеких мыслей. Так работали художники Людвиг Рихтер, Мориц Швинд, Карл Шпецвер. В середине XIX в. художник Пилоти работает в историческом жанре.
Широко известен Адольф Менцель. Он создает графическое произведение – тетрадь литографических рисунков к произведениям Гете. Другие его известные работы: «Железная дорога Берлин-Потсдам», «Будничный день в Париже», «Железопрокатный завод».
Ансель Фейербах и Ариольд Бёклин обращаются к воспоминаниям об античности, отражая мистико-символические тенденции. Либерман участвует в организации Сецессиона.

Сезан, Ван Гог и Гоген не были объединены ни общей программой, ни общим методом работы. Их объединяло лишь отношение к импрессионистам во времени.
Поль Сезанн (1839-1906) начал творческий путь вместе с импрессионистами, участвовал в их первой выставке в 1874 г., затем уехал в Прованс и жил замкнутой, но напряженной творческой жизнью. В 1895 г. показывает в Париже 150 картин. До конца жизни подписывает Свои картины, добавляя «ученик Писсарро». Сезанн не дематериализует форму, у него нет картин сложного содержания. Это портреты близких людей, друзей, автопортреты, пейзажи («Берега Марны»), натюрморты («Натюрморт с корзиной фруктов»), портреты-типажи («Курильщик»), редкие сюжетные изображения («Игроки в карты»). Его картины – это не этюды, а законченные произведения. Сезанн перешел к модулированию замкнутых цветовых плоскостей. Он прорабатывал формально ритмически и хроматически всю картину, используя в первую очередь контрасты холодных и теплых тонов. Краски Сезанна светятся всем богатством своих возможностей. Интервалы формы и цвета контрастируют и сливаются как в музыкальном произведении. «Он играет на органе как Цезарь Франк», - говорили про него. Он не любил теории, но свои поиски выразил так: «Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра; надо научиться писать на этих простых формах, и, и если вы научитесь владеть этими формами, вы сделаете все, что захотите. Нельзя отделять рисунок от красок, нужно рисовать по мере того, как пишите, и чем гармоничнее становятся краски, тем точнее делается рисунок. При наибольшем богатстве красок форма неизменно достигает своей полноты». Взамен кажущейся случайности импрессионистов Сезанн принес материальную крепость, чувство массы, ясность форм, устойчивость, чеканную выразительность простых и суровых образов. Сезанн сознательно искривляет предметы, чтобы показать их с разных точек зрения. Его называют предтечей кубизма. Сезанн говорил: «Живопись – не значит рабски копировать действительность. Это значит находить гармонию между многими соотношениями». Элементы абстрактности, заложенные в искусстве Сезанна, привели его многочисленных последователей «сезаннистов» к живописи отвлеченности. Иногда сезаннисты усваивали только формальную сторону творчества Сезанна.